SUPERFUZZ "Superfuzz" (Autoeditado, 2019)

Desde A Coruña recibimos este trabajo del trío SUPERFUZZ. Javier Insua (guitarra y voz) soñaba con un grupo de tíos calzando botines Chelsea y enloqueciendo sobre un escenario. Su deseo se vio cumplido tras unirse a Juan Folla (batería)  y Andy Saavedra (bajo). Sus influencias son claras y no las esconden: grupos británicos clásicos

como Rolling, Beatles, The Who o KInks, y bandas más actuales del brit-rock en la línea de Jet o Supergrass.

SUPERFUZZ suenan potentes y sus canciones son muy pegadizas, es por ello que me atrevo a apostar, sin temor a perder, que es sobre el escenario donde alcanzan su máximo potencial explosivo.

Caracteriza al grupo una potente sección rítmica y una ejemplar utilización de los coros, siempre en la dosis justa en el momento más oportuno.

"Algo que contar" tiene unas guitarras vitaminadas e indomables que te empujan a mover pies y cabeza; "A contrarreloj" es un radiante y pegadizo pildorazo de power-pop. "Roller Girl" es irresistible, un temazo que te arrolla con guitarras desbordadas y magníficos coros. Uno de mis preferidos sin lugar a dudas. "Historias" es más tranquila, baja un poco de intensidad y me traen a la memoria a los añorados The Winnerys (ojo, para mi una de las mejores bandas nacionales del siglo). "Estado de shock" es garage inmisericorde y demoledor. "Canciones de los 60" tiene un gran potencial comercial, y es que también lo bordan cuando echan el freno y soplan brisas surferas. No me quiero despedir sin destacar  las guitarras siderales de ese precioso tema dedicado a la venus del espacio "Barbarella".

Es este "Superfuzz" un trabajo fresco, veloz, divertido y muy potente que ha sido masterizado en Alemania por Robin Schmidt (The 1975, Guano Apes, Placebo o James Arthur) que digo yo algo tendrá que ver en el impactante resultado final.

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LAS ELÉCTRICAS  "Boys & Girls"  (Autoeditado, 2019)

Hace unas semanas leía un antiguo número del Ruta 66. El redactor, del que ahora no recuerdo el nombre, escribía un artículo de opinión sobre cómo los padres intentamos influir en los gustos musicales de nuestros hijos con muy poco éxito. El periodista llegaba a una conclusión bastante aceptable: no conseguimos que nuestros hijos alucinen con nuestros grupos o canciones preferidas ya que tal como nos sucedió a nosotros en su día, elegimos canciones que a nuestros padres les parecían espantosas, así ellos nos martirizan con trap, reggaeton, etc. 

Y como siempre hay una excepción que confirma la regla, hoy nos toca envidiar de forma sana a los padres de esta "veterana" banda de Gijón: LAS ELÉCTRICAS. 

Y digo "veterana" pese a que las integrantes del grupo (todo chicas a excepción del batería) tienen entre 14 y 17 años, puesto que este "Boys & Girls " es ya su tercer disco (me encantaría escuchar el segundo, "Las Eléctricas") y llevan juntas desde que tenían de 5 a 8 años bajo la batuta de nuestra admirada Mar Álvarez (Undershakers, Petit Pop o Pauline en la Playa).
Lo escrito hasta aquí no tendría ningún valor si no viniera acompañado de buenas canciones, y "Boys & Girls" atesora tantas como once. Es éste un trabajo de pop encantador, con cada detalle en su sitio, delicado y con un maravilloso trabajo en los coros.
El pop juvenil y juguetón de "Boys & Girls" abre el disco, le sigue la refrescante y tropical "Palmeras" y completa el potente tridente inicial la ligeramente bailable "Wanna break the ground". Difícil mantener el listón, pero Las Eléctricas tienen un don y así lo demuestran en la vacilona "Ay de mi", o en la ensoñadora y reposada "So high". Brisas surferas en "Cállate" y abren un poco el abanico hacia lo bailable y festivo en "Nunca más", se oscurecen en la más experimental "Death" y cierran el disco con una sobresaliente "Helen" de aires americanos.
Una lástima que la actual situación sanitaria que estamos atravesando les haya frenado lo que pudiera haber sido un verano lleno de actuaciones, pero LAS ELÉCTRICAS no deben preocuparse... a futuro por delante no les gana nadie.

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THE DOUBLE SHAME "SoundClubStudio 2014" (2014, Autoeditado)

THE DOUBLE SHAME está formado por dos parejas de hermanos: Toni (voz y bajo) y Xavi Brun (batería, voz, piano y samples) y los hermanos Valderrama, Carles y Manel a las guitarras. Tras innumerables grabaciones amateurs, TDS nos presentan por fin su primera grabación profesional bajo la producción de Lluís Costa (ex miembro de Kistch y Psychoine) y la banda ha quedado tan satisfecha que le ha puesto a su single el nombre del estudio de Salt. "Funk Rider" se abre con un guiño a Bowie, luego las guitarras vibrantes y el detalle del piano le daran su forma definitiva, para la banda (a la que por cierto le gusta hablar de sus canciones, de sus letras y de sus influencias como podéis comprobar en su bandcamp) "es como un tema de los 60-70 sonando bien". "Funk Rider 2" tiene unas guitarras más infecciosas, un ritmo más marcado, todo se va acelerando e incluso aparecen algunos alaridos, "es más Stooges, más punk y con un final en plan Pixies". En la final "Performances of the shades" es donde quizás más se note la mano mágica del productor, la voz suena realmente bien, el principio me recuerda a Lou Reed, luego las guitarras te balancean chispeantes, la voz está doblada con encanto, la melodía es hipnótica, "una mirada a los noventa sonando a ritmo de Pavement o Wilco". Casi nada...

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FLANAGAN "Algun valiente" (2014, Autoeditado)

La banda se forma en Mataró en el 2006, y en el 2010 graban su primera demo, "Que te vaya bien", después vendrá un ep de cuatro temas (del que poca información he podido encontrar), y tras ocho años de buscar un sonido propio y personal publican este "Algun valiente". FLANAGAN está formada por cinco músicos que abrazan la versatilidad y que mezclan en su coctelera estribillos pegajosos, pasajes bailables, arrebatos rockeros y momentos de experimentación. Es esta puesta de largo un trabajo extenso, once canciones que tras su escucha te dejan exhausto y con ganas de volver a darle al play.
La mayoría de los temas se caracterizan por su pop guitarrero, de ritmo muy marcado y saltarín que invita al baile, al desmelene. Temas que en concierto deben empujar a la gente a la diversión, a brincar y a saltar, como "Mi sprint final" y sus guitarras espasmódicas, el bajo hipervitaminado de "Bastante más práctico", la más bailable "Documental de Gambia" donde hacen referéncia a esas influencias reconocidas por este tipo de bandas que han absorvido algunos de los mejores tics rítmicos de la música del continente negro, o "Buscando un eclipse" que sigue la estela de las anteriores.
Apoyándose en la siempre clara y adictiva voz de Vic Plana, los FLANAGAN también bordan las baladas, como en la envolvente y acariciadora "Aquel nogal enorme", o en el atractivo medio tiempo, onírico y volátil que es "Franco Battiato" con una ambiente muy a los Dr. Divago (aunque quizás sólo sea una manía mía  tras un abuso en el consumo de la música de los valencianos durante las últimas semanas), o la planeadora  "Fantástica asesina" que cierra el disco de forma misteriosa y sideral. Por el camino me he dejado, que no olvidado, "Autorretratos monocrom", tema muy melódico y pegadizo que llama la atención por su maravilloso estribillo, otra de las especialidades a tener en cuenta de estos FLANAGAN.

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RETIRADA! "Inevitable" (2014, Autoeditado)

"Soy un disco muy majo, escúchame! y déjame amontonado con el resto, no quiero estar solo".
Albert Isnardo y Daniel Ramos son RETIRADA!
Son sólo dos, pero hacen ruido como si fueran seis. Reconocen las influencias de Mogwai, Yo La Tengo, Nueva Vulcano, Pedro The Lion o The Album Leaf entre otros, y definen su música como hija del post-rock y el punk, concebida mientras hacían un trío con el slow-core, y de estos tres estilos van bien servidas las nueve canciones de "Inevitable".
No es éste un disco fácil para oídos poco acostumbrados a esta música tan explosiva, asilvestrada, esquizofrénica y salvaje.
RETIRADA! utilizan tanto el catalán como el castellano en sus letras, si bien estas no son siempre inteligibles, ya que son expertos en maltratar la voz dándole un tono de ultratumba como en "Ícaro", lanzando chillidos demoníacos y apocalípticos en "Les dents", o alcanzando altas dosis de histerismo en la desgañitada "La guerra perdida".
Ya marcan el territorio desde la inicial "El vent" con su intensidad huracanada. En Ícaro" los remansos de (in)tranquilidad se combinan con la tormenta eléctrica, como en una montaña rusa de pesadilla que vuelve a repetirse en el tema "Explosión" donde llegamos a un post rock ambiental y etéreo, de guitarras magnéticas e insistentes tras un inicio brutal. Después de esta extenuante sucesión de canciones abismales y descarnadas, se agradecen algunos detalles a los que aferrarse cual naufrago al tablón que le ha de salvar momentáneamente la vida: los coros que hacen un poco más llevadera "Libertad condicional", la canción "El temps", una voz que se entiende, unos coros en su sitio, guitarras robustas y un marcado ritmo; la marabunta guitarrera de "Pirámide alimenticia", su tema más accesible y consumible, y "La guerra perdida", un tema machacón y repetitivo, con un ritmo ligeramente bailable que irá evolucionando inevitablemente hacia el caos sónico en el que este dúo se encuentra como pez en el agua.

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CAPITULO 7 "El fín de semana que viene" (2013, Autoeditado)

Fran Raya (guitarra y coros) y Vero Rueda (maravillosa voz) se conocen en el 2007 y empiezan a versionar a sus artistas favoritos: Los Planetas, Damien Rice, Maga o Zahara entre otros. En el 2008 componen sus primeros temas y en el 2011 se estrenan con en ep "Si nos vemos de nuevo". Este "El fín de semana que viene" lo publican en el 2013, cinco canciones de tono nostálgico y muy íntimo, con un aire al frío y húmedo aire del sonido Donosti que marcó a tantas bandas de nuestro indie pop. Letras que hablan de amor y lógicamente de desamor (siempre ligados el uno al otro), de la distancia y de cómo los sentimientos se desenvuelven en estas lides. La chica de espaldas con la mirada perdida a través de la ventana y la taza de café no faltan en el artwork de este trabajo, imágenes características de este tipo de música, y no podemos olvidar que el nombre del grupo hace referencia a uno de los capítulos más intensos de la novela "Rayuela" de Julio Cortázar. Son canciones que acarician la perfección y se quedan a pocas décimas del diez. Al indie pop de manual "Lo llaman conexión" con la guitarra acústica y la dulce voz de Vero, le sigue el pop embriagador "Siempre en el café", con la voz  sussurrada, acariciándote, llevada en volandas por un precioso estribillo y abrigada por el chelo de Elena. "Universo paralelo" tiene un inicio trepidante, avanzando a guitarrazos, infecciosamente pegadiza y refrescante, recordando a Los Planetas por su energía y la voz de Fran. En "Tu voz" Vero nos da una clase magistral de canto. Su voz se muestra sedosa, volátil, deslumbrante y gana enteros con los matices del piano. En "Perdona mis fantasmas" vuelve a producirse la simbiosis entre la acústica, el chelo y la voz en un ambiente confesional y quebradizo. Un maravilloso trabajo. Queda por añadir un par de cositas. Xavi Ribera (Gentle Music Men y La Brigada) se encarga de la batería, además de la grabación, las mezclas y la coproducción, y comentar por último que la voz de Vero puede recordar en sus momentos más íntimos a la de otra vilanovina a la que admira y a la que queremos mucho en esta casa: Xesca Fort de Alias Galor.

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DOCTOR DIVAGO "Imperio" (2013, Bonavena Música)

¿Quién no ha sentido en alguna ocasión distanciarse de alguna antigua amistad?... Sin haber ningún motivo dejamos de relacionarnos con ese amigo que durante un tiempo significó tanto, simplemente por repartir nuestro tiempo de otra manera, por la pareja, los hijos, el trabajo o nuevas amistades.
Algo parecido me ha sucedido con DOCTOR DIVAGO. Alguno de sus discos estarían en mi "Especial 30 Aniversario en 300 discos" particular, "El loco del chandal" (1997) o "El cuarto trastero" (2000), pero durante estos últimos años he escuchado sus trabajos sin profundizar en ellos, sin dedicarles el tiempo y las escuchas necesarias que sus discos demandan para ir erosionando poco a poco tu resistencia y llegarte a lo más profundo. Y cuando se produce esta conexión todo vuelve a ser como antaño, como ese amigo con el que sólo hace falta compartir una cerveza para volver a disfrutar de la complicidad de antaño, recordando los buenos tiempos vividos, el presente y lo que puede deparar el futuro. Sin reproches.
"Imperio" es el décimo disco del DOCTOR, diez son las canciones que lo componen y diez los años que lleva a cuestas la actual formación valenciana: Manolo Bertrán (voz, guitarras, letras y composición), Wally (batería), Chumi (armónica , ilustrador y maquetador), David (guitarras) y Edu (bajo y coros). Otras diez son las estrellitas que yo le pongo a este trabajo.
Hablar a estas alturas de las letras y la tan característica voz de Manolo Bertrán, o de la armónica de Chumillas es una obviedad. Es más interesante comentar que sus canciones son historias que despiertan tu curiosidad, te hacen ir un pasito más allá, a investigar -aunque sea con un simple clic en el buscador- y descubrir que los protagonistas de sus canciones existieron realmente, que Barney Ross fué un boxeador campeón mundial en tres categorías, condecorado en la II Guerra Mundial, y consumidor rehabilitado de morfina. Que Julio Galcerá es una institución de la música valenciana: vendedor de cupones de la once de día (ya jubilado) y rockero de noche, o que Gracia Imperio fué una vedette que alcanzó el estrellato sin dudar a la hora de mostrar sus curvas y encantos, azote de la censura de la época y que murió en extrañas circunstancias a los 35 años  siendo hallada muerta junto a su novio en la bañera con la espita del gas abierta. ¿Un suicidio pactado  o algún amante despechado?...
Poco he hablado de música hasta ahora, y es que DOCTOR DIVAGO  favorece la labor del comentarista, dan juego y permiten dejar ir el bolígrafo con alegría. Para los más exigentes decir que en este "Imperio" predomina el POP-ROCK guitarrero: "Sólo la mitad de la mitad de mi", "Ni una pizca de tu amor" y los medios tiempos más contenidos, como la vacilona y magnética "Gracia Imperio", la reflexiva y dolorosa "Debilidad", la acariciadora y coqueta "Sonaba Julio Galcerá", la geológicamente sutil y plácida "La deriva continental", la íntima y escurridiza "Una vida plena" y la evocadora y luminosa "Un argumento tan malo", o el glorioso pop en "Barney Ross". La más afilada y rockera es "92 horas". Grandes.

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LA LEGENDARIA FAMILIA STINSON "El año que todo pasó" (2014, Autoeditado)

LA LEGENDARIA FAMILIA STINSON tienen nombre de clan criminal, los vecinos de los Baker que en el medio oeste americano de la década de los 30 del siglo pasado le buscaron las cosquillas a las autoridades que decretaron la ley seca. Pero en el fondo no son nada "malotes", son un cuarteto barcelonés que han editado su segundo largo: "El año que todo pasó".
La FAMILIA STINSON (abrevio a partir de ahora) se acercan al rock americano de raíces. "Si crees en mi" es donde más se acercan al americana, y la banda posando en ese porche de la portada es una declaración de principios. También beben del rock (parece ser que en su debut largo "Expertos paracaidistas" dominaban los sonidos más acústicos) como en el rock de teclado vaporoso de "Huyes", o en "Observo el fuego" con guitarras lujuriosas y quebradizas que se disparan humeantes.
Documentándome sobre la banda he leído que hay quien encuentra puntos en común con artistas nacionales como Quique González o Los Secretos (la banda los admite de buen grado), si bien se quitan el sombrero ante los grandes clásicos de los sonidos de raíces como Bob Dylan, George Harrison, Jeff Buckley o Gram Parsons.
Llegados hasta aquí os estaréis preguntando  qué tiene de especial esta FAMILIA... El grupo de Xavi Aparici (compositor y lider de la banda) canta en castellano y les gusta insistir en este tema. Pero no busquéis rancios posicionamientos políticos en ello, más bien es una forma de decir que sus horizonte está lejos y sus ambiciones no se reducen a la escena local o catalana. LA FAMILIA STINSON son un grupo con un gran potencial comercial, y podrían llegar a ser una de esas bandas que no se pierden un solo festival durante el verano, cuyas canciones son coreadas por el público y que ponen sintonía a los programas de la tele. ¿Y con qué ejemplos puedo convenceros de mi hipótesis?... En este disco los hay y sin miseria. "Buscando la canción perfecta" es un inicio fulgurante, guitarras juguetonas y cristalinas y que hace honor a su título: una canción perfecta. Destaca también la habilidad del grupo para colocar los coros siempre en el instante justo y clavar los estribillos, como en la eufórica y exuberante "Para luego marcharnos", o en la imbatible mezcla pop que consiguen las guitarras magnéticas, la voz y el teclado en "Por una vez". Aún queda otra gran canción, "Sucede una vez al año" donde la voz adquiere su máximo grado de emoción y las guitarras se muestran abrasivas y palpitantes. Y bajando la intensidad, que no la emoción, encontramos la confortable balada "Con la punta de los dedos", la envolvente y atmosférica "Novocaína para los suicidas" o una "Cantaré a los almendros"  que hará derretirse a más de una de las chicas que se sitúan en las primeras filas de sus conciertos.
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MANEL CANO "Asumir, borrar y reescribir" (2014, Nómada 57)

MANEL CANO saca su primer disco en solitario (formó parte del grupo experimental NEVA) que os va a dejar con cara de no entender nada. El principal motivo de este factor sorpresa es la personalísima voz de este barcelonés, que hará huir despavoridos a los más impacientes ya que como él mismo reconoce corre el riesgo de que el público actual se quede en la anécdota de su voz y no valore sus canciones. Si se le dedica a este disco las escuchas necesarias, el esfuerzo tendrá su recompensa, y esta voz tan pasional y pulida en clases de canto, y que permite a Manel "expresar todo lo que lleva dentro", se convertirá en otra característica más de su música, e incluso te hará imitarla en los temas más pegadizos, que también los hay.
A grandes rasgos este "Asumir, borrar y reescribir" contiene folk, pop, y algo de música clásica o "culta"... Abre el disco el folk "En las próximas canciones", muy básico, parece como interpretado por una orquesta de pueblo o un grupo de niños, algo destartalada y he aquí gran parte de su encanto. La voz  ingrávida en "La hora de la verdad" está acompañada por un sensible violín y el detalle de una voz femenina. "La canción pop de rigor" vuelve a repetir el esquema: Manel alargando las sílabas, la orquestina adornada por un violin que guía el tema hacía un estribillo maravilloso y evocador. Comentaba la conexión con la música clásica... "Fuengirola" es un vals que empuja a la gente a bailar en la plaza de ese pueblo imaginario, el violín ingrávido y balanceándose, los gorgoritos de Món Feijoo a lo diva Castafiore y un resultado sereno, solemne y deslumbrante.
El inicio con la guitarra acústica en "Prólogo y desenlace" parece traernos un tema más actual, pero el espejismo dura lo que tarda en aparecer de nuevo el violín. Los coros de Carrie Lewis y las cuerdas son el lazo que acaba de adornar este delicado presente. En "Asumir, borrar y reescribir" (la canción) la voz de Manel se muestra más expeditiva, más intensa en un ambiente algo fantasmal, de regusto al siglo pasado, difuminada, crepuscular, como de otra época en blanco y negro. El ambiente pretérito también se respira en los aires de jazz y tango de "Ejercicios de mímica" y en la solemne y espectral "Borrones y cuentas viejas".
"Hay ciertos demonios" es un folk pop bien hilvando que en algún momento puede recordar a Nacho Vegas, con violín y clarinete y un estribillo arrebatador y alborotador donde Manel da rienda suelta a su voz. Cierra este trabajo "Recuerdos" de forma extraña, una canción al piano o banda sonora para pelicula muda, apartándose del tono general del disco.
MANEL CANO es una propuesta extraña y arriesgada pero vale la pena hacer el esfuerzo.

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COBARDE "Amor patada" (2014, Siete Señoritas Gritando)

COBARDE no son la reencarnación indie-psycodélica del gran Chiquito, ni tampoco la última banda epatante como puede darnos a entender la sorprendente portada de este su primer largo "Amor patada" (en el interior el muchacho cambia el chuletón de Girona por un pie de cerdo). Tan pusilánime y falto de valor nombre no se corresponde con la energía que desprende este cuarteto formado en el bar Cassette de Barcelona.
Los dos temas iniciales sitúan el listón muy alto, ya que son dos buenas canciones y muy retentivas."Esos amigos" tiene un marcado ritmo, ocurrentes juegos de palabras y guitarras planetarias; le sigue "Amor patada", significados enfrentados y rock de guitarras psycodélicas, ritmo hormigonado y haciendo referéncia a la letra de la canción" saltando todo de golpe... y volando por los aires".
A continuación en "La isla" encontramos más guitarras adictivas, un ritmo intenso y un precioso estribillo, de nuevo regusto planetario con la bonita voz en primer plano. En "Espejo de barbero" adquiere protagonismo el evocador y flotante teclado, todo está bajo control, la tranquilidad se impone. Y así, sucediéndose las buenas canciones llegamos al ecuador del disco: "Vida de oferta" es el hit pop de COBARDE. Vitalista, adictivo y muy contagioso, mezclando las señas de identidad de la banda en sus cantidades exactas: voz en primer plano (doblada con muy buen gusto en los coros), un ritmo insobornable sin restar espacio al resto de componentes, un estribillo grandioso y un crescendo guitarrero final desbordante y visceral.
Tras este inicio tan vertiginoso es complicado mantener el nivel, o puede que el resto de temas no tengan tanta pegada como los reseñados hasta ahora, aunque cada uno puede tener sus gustos al respecto. Se suceden a partir de aquí las canciones con predominio de guitarras envolventes y planetarias (en clara referencia al grupo granaíno por excelencia, al que COBARDE me recuerdan en muchas ocasiones pero con la ventaja de cantar mejor y más clarito) unas veces, más volcánicas y magnéticas en otras, y sólo en "Sin éxito" parecen desmarcarse un poco del conjunto penetrando en unos pasadizos más oscuros, más psycho, caóticos y saturados, donde pasamos del zumbido guitarrero desbocado a unos remansos de paz donde la voz adquiere un atractivo matiz soñador para volver sin remedio al zumbido de fondo.

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ALEXANDRE LACAZE "Les recifs de l´espoir" (2014, Medusa Prod.)

Nacido en Málaga y residente en Mérida, ALEXANDRE LACAZE saca bajo su nombre "Les recifs de l´espoir", atrás queda su anterior proyecto L´AVALANCHE , lo que no significa un cambio de estilo ya que al fín y al cabo continúan siendo sus propias canciones bajo un nuevo envoltorio. A Alexandre le edita el disco el sello francés Medusa Prod, que como en los viejos tiempos ha puesto a disposición del artista el estudio de grabación, los músicos, la producción y la remasterización. Green Ufos distribuye y promociona.
El acabado de este "Les recifs de l´espoir" es de una gran calidad artística, y es que Medusa ha tirado la casa por la ventana y ha puesto a disposición de Alexandre a cuatro músicos profesionales del ámbito jazzístico de Marsella, y que desgraciadamente por motivos de presupuesto no veremos por aquí (lo que en el país donde más festivalazos se organizan por metro cuadrado no deja de ser sorprendente).
El disco es precioso, vaya esto por delante. Cada nueva escucha te proporciona nuevos placeres, y en ello tiene también mucho que ver la aterciopelada voz de Alexandre. Además el francés es una lengua que bien cantada siempre queda romántica, elegante y delicada... aunque te estén recitando la lista de la compra. Pero tranquilos que no es este el caso.
"Rue de la soif" es una balada melancólica y romántica (¿todas las baladas lo son?), la instrumentación contenida te va encaminando a un estribillo de plácida y balanceante melodía (cerrar los ojos y ya me contareis). Le sigue la cristalina "Je serei là" con la guitarra a fuego lento. En "Coquillage" me imagino a la banda (con esos jerseis blancos a rallas) en la entrada de una taberna portuaria marsellesa, hilvanando con el acordeón una balada marinera "mediterraneamente", que repiten en la siguiente "Oh dites-moi capitain".
En "Les fleurs immortelles" Alexandre electrocuta a sus músicos y consigue un tema que se debate entre la luz que aporta su voz de chansonnier brillante en el estribillo y la instrumentación más oscura con un piano apocalíptico y ese ambiente tan a lo Bad Seeds. Maravillosa mezcla, mi tema preferido.
Las baladas dulces y quebradizas se suceden: "A quoi sert", "Halaine" o "Alice darrière le miroir". Alexandre las borda. Destacar la voz y la guitarra en "Ne pleure pas jeannette" ambientada cual nana o fábula, descubro que es una canción tradicional. Seguro que su madre se la cantaba en su infancia. Cierra "Final" una despedida breve e instrumental donde oímos como vibran y tiemblan las cuerdas de la guitarra.
ALEXANDRE LACAZE  ha grabado una pequeña obra de arte. Lo sé yo y ahora también lo sabéis vosotros. Además se merece que la gente lo escuche. Porque es un profesor con una hija que no duda en coger su guitarra y recorrerse media España para tocar sus canciones -a veces ante seis o siete afortunados, entre los que yo me he encontrado-, perder una guitarra (afortunadamente recuperarla) y repetir a la semana siguiente con la misma ilusión... ALEXANDRE LACAZE es el principal motivo por el que debería aprender francés.

www.alexandrelacaze.wordpress.com
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THE THREE GENERATIONS "Poverty in the land of plenty" (2014, Autoeditado)

Trío compuesto por José Montero (guitarra y voz), Eduardo Abad (batería) y Alberto María (bajo) burgaleses de Salas de los Infantes. En el 2010 consiguieron alzarse con el título al mejor álbum de Castilla-León para Mondosonoro con "Pillage", y ahora nos presentan un energético "Powerty in the land of plenty" impregnado de aromas del punk de los 70, el garage, el stoner rock y otros estilos retro en palabras del propio grupo. Ocho canciones producidas por Raúl de Lara (Varry Brava, Second) donde se impone la fuerza y pegada de los equipos analógicos.
Abren como una estampida de high-energy rock con  la incendiaria "The middle of nowhere" de voz y coros combativos, y "Greddy politicians" con guitarrazos impactando cual martillo pilón, perfecta para saltar en los conciertos y derramar la birra sobre el pardillo de al lado que no deja de joder con el iphone. El stoner rock está representado con "Miss media" donde las cuatro cuerdas del bajo te golpean el estómago mientras surcas la autopista a toda velocidad."Economic Bibbles" es mi canción preferida: un ambiente más oscuro, afterpunk, con las guitarras más flexibles, como si fueran muelles que incitan tímidamente al baile. Pero es sólo un espejismo antes de volver a los sonidos más trepidantes y depredadores: en "Liar" la voz y los coros consiguen destacar de entre la caña y el raca-raca que caracteriza a la banda, y lo mismo sucede en "The forgotten voter" donde la voz de José lucha por escabullirse de las devastadoras y feroces guitarras. "Food speculation"  es un hard-rock de guitarras abrasadoras y contundentes (como todas), con un ritmo más marcado y pesado que nos introducen en un breve remanso que dura lo que dura dura, es decir, casi nada... para volver a las guitarras desfibriladoras y el ritmo "a cara de perro". Cierran el trabajo con un "I don´t need a savior" que te deja con cara de tonto: un power-pop que se da de ostias con el resto de temas del disco, que podría poner fondo musical a alguna campaña publicitaria pero de difícil justificación dentro de este buen disco.

www.thethreegenerations.es

ESTEVE MASCLANS "Fine Thanks" (2014, Autoeditado)

En el cd no hay más información que su título y el de las doce canciones que lo componen. Una vez le dedicamos un tiempo a su contenido nos sorprende la juventud de ESTEVE MASCLANS. Sólo 20 años. Está claro que sus primeras influencias, supongo que fruto de las escuchas musicales de sus padres, George Harrison, Bob Dylan o The Beatles no son suficientes para alumbrar un trabajo de la calidad de este "Fine thanks". Y es que ESTEVE MASCLANS tiene el valor añadido, y es su maravillosa capacidad para componer canciones con el calendario en los 60 y 70. Él mismo se reconoce como un insaciable investigador de estilos y propuestas musicales, de The Doors a Jeff Buckley, y de Caravan a Pink Floyd o Syd Barrett.
Abre este trabajo con el melancólico y balsámico instrumental "Intro", y lo cierra completando el círculo con otro instrumental, "Final", donde brotan guitarras etéreas y abstractas creando un ambiente sedante y embriagador. Y entre medias otra vez prescinde de su voz para colarnos una "Nana" que hace honor a su nombre. Pero ESTEVE también le saca un gran partido a su voz, que en un par de baladas me evoca a Oasis: en "Ear years" acompañando a un tema de regusto americano o en "Orange Skies" malogrando unas cuerdas de esencia Tindersticks por exceso de azúcar. Las influencias antes reseñadas van asomando por el resto de los temas: el country pop de "Take it", el pop que tímidamente te empuja al baile en "Silver", y ese rock setentero de "I don´t care", con coros femeninos negros, y bailable que recuerda tímidamente a cuando los Primal Scream ondearon la bandera sudista.
Sigue su curso el disco con la obligatoria parada en la experimentación cósmica de "Girls", y en la pastoral y evocadora "Girls of the winter" que evoluciona hacia unos guitarrazos rock turbulentos y alucinados.
Un buen trabajo, donde ESTEVE no esconde sus (buenas) influencias. Ahora toca esperar hacia dónde evoluciona en búsqueda de su propio camino.

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NAMINA (Demo)

NAMINA es Natàlia Miró do Nascimento, nacida en Barcelona de madre brasileña y padre catalán. A los 13 años empezó a componer y desde los 16 saltó a los escenarios. El mestizaje cultural forma parte de su ADN: Brasil y Catalunya (el Mediterráneo), el portugués y el catalán, la cultura brasileña y la catalana. Un bendito crisol generador de belleza física y artística.
Esta demo es su carta de presentación, y un paso previo a la grabación de su primer disco. A través del micromecenazgo NAMINA quiere ver su sueño hecho realidad. Un paso adelante que traerá consigo vestir sus canciones con la colaboración de otros músicos sin perder la intimidad que las caracteriza. Las aportaciones deben servir para la grabación y masterización y para editar una primera tirada de cds (lógicamente yo ya he colaborado para conseguir el mío dedicado por la artista). El disco tendrá 10 o 11 canciones y a NAMINA le costará escogerlas.
Esta demo cuenta con 11 canciones, y desconozco cuales de ellas irán a parar definitivamente al disco que espera tener listo para principios del verano. Once maravillas que espero os animen a hacer la correspondiente aportación a través de la plataforma Verkami. NAMINA define su música como "rock mediterráneo tropical de autor". Términos que en principio pueden sonar alejados entre sí pero que su música y poesía funden en uno solo con fascinante y cálida belleza.Canta varios temas en portugués que garantizan el ambiente "tropical": en la confesional y cautivadora "Quantas Cores", en la aterciopelada y turbadora "Tuim", o en la más magnética y sinuosa "Se nao fosse". También se acerca al clima mediterráneo y no sólo por utilizar el catalán, preferiblemente recitado en la arrebatadora y crepuscular "Com plou" o en parte de la celestial "Llavors (Love Enough)" donde reparte la letra con el inglés, para alcanzar la matricula de honor en mediterraneidad -si existe tal categoría- con la volátil, pastoral y balsámica "De vegades" donde algún detalle de su agradable voz me recuerda a Maria del Mar Bonet.
Pero NAMINA aún puede navegar más allá de lo tropical o lo mediterráneo: inflando las velas con la fuerza de su magnética y excepcional voz y su interpretación a la guitarra nos llevará a puertos donde podremos escuchar el ligero swing festivo de "Boxes all around", islas donde nos dejaremos embrujar por los cantos de sirena que nos harán derretir en "Dirt" o esa "Orlando" que sin lugar a dudas de aparecer en el disco será el tema más eléctrico del trabajo.
Y además NAMINA cita en su repertorio a Nina Simone, Sam Cooke o Chris Isaak... que buen gusto... Esta chica lo tiene todo.

https://www.facebook.com/NAMINAnmn
http://www.verkami.com/locale/ca/projects/8050-primer-disc-de-namina

CECE GIANNOTTI "Escape" (Sauri Records)

CECE GIANNOTTI es un veterano guitarrista y productor canadiense que llega a Barcelona en 1991. A lo largo de los años su nombre se ha visto relacionado en calidad de colaborador a John Cale o Iggy Pop, y ha teloneando a Tina Turner o Kiko Veneno.Un profesional de la música acostumbrado a trabajar con músicos muy importantes y con lógicas expectativas comerciales. ¿La música comercial está reñida con la calidad?... para los que piensen afirmativamente, recordarles que hace unas cuantas décadas esto era lo normal.
Este "Escape" está inspirado en la vida del escapista Harry Houdini, cuyo espectáculo itinerante parece proyectarse en el maravilloso diseño de este trabajo, donde vemos al artista en distintas localizaciones del Circo Raluy, lo más cercano que queda hoy día de aquellos "Medicine Show" a los que también se hace referencia. Un trabajo que entra por los ojos.
"Escape" es un trabajo dirigido a oyentes con un cierto bagaje musical a cuestas, quizás de una cierta edad. Primero porque este trabajo se va cociendo a fuego lento, tras varias y detenidas escuchas, costumbre para la que no sé si están demasiado preparadas las nuevas generaciones. Y segundo, porque para los que con suerte ya empiecen a peinar alguna que otra cana podrán disfrutar del ambiente ensoñador y romántico (ideal para bailar y acariciar a tu pareja) de "Harry´s Caravan", o del marcado ritmo jazzy de "Chanson de la pluie", ambas con detalles de clarinete y la voz de Cece con un tono que me recuerda mucho a los sedosos ambientes que nos proporcionaba años atrás Chris Rea.
La gran riqueza instrumental de este trabajo se puede disfrutar con la utilización de auriculares, y es que Cece Giannotti no se ha ahorrado ningún esfuerzo a la hora de arropar las guitarras, e incluso se ha rodeado de colaboradores del renombre del guitarrista Marc Ribot o los pianistas neoyorquinos Alain Mallet y Bennett Pastor.
"Buried alive" es un jazz blues atractivo, elegante y con guitarras enredadas donde se nota el trabajo de Ribot. "Rosabelle believe" arranca tranquila y temblorosa, con cierta ambientación desértica para desembocar en un estribillo potente y exuberante. En "Got laid off" se sube un punto la intensidad, un tema que empuja a soltarse un poco el pelo y echarse un baile. La gran pericia instrumental de Cece y su banda les permite meterse en un tema como "I lost contact" , de ambiente árabe, aventurero, como de fábula exótica donde el clarinete parece conversar con seres de otras galaxias, y conseguir salir vencedores del intento y con muy buena nota.
"Plutonius Monk" es el tema más jazz del disco (comentar que a Cece se le etiqueta como artista de jazz aunque personalmente lo veo muy cercano al blues): ritmo muy marcado, una voz de crooner elegante (doblada por los coros) y un colchón instrumental palpitante. La instrumental "Metamorphosis" cierra este trabajo iniciándose abrasiva y asfixiante y evolucionando hacia pasajes más luminosos y pastorales, para volver al inicio con la mayor naturalidad del mundo.
"Escape" entra por los ojos, y también por los oídos.
www.cecegiannotti.com

MOONFLOWER "First Time" (2011, Autoeditado)

María López abandona el bajo en la banda Iba Andando para con la ayuda de Josep Bartual, Nacho Martin y Thomas Mantovani llevar sus canciones de su habitación a los escenarios y finalmente grabar este maravilloso "First Time".
La voz de María es espectacular, magnética, estremecedora, fascinante, turbadora, hipnótica... Lo mejor de estas trece canciones. Siempre en su punto más acogedor y reconfortante. Te fascina tanto al cantar en inglés (idioma que le sirve para protegerse) como en castellano (idioma que le hace sentir más desnuda emocionalmente), si bien reconoce que "el idioma es sólo un vehiculo de expresión para enriquecer las canciones".
Este "First Time" picotea del folk, el pop y el rock (contenido) a partes iguales. Su gestación ha sido larga y minuciosa: seis meses de preproducción, vuelta al local de ensayo para los arreglos -de una gran riqueza y variedad, siempre en su punto- antes de la grabación definitiva.
Soy de la opinión que la calidad de un trabajo discográfico puede medirse por la cantidad de temas destacables que contiene. Así puedo afirmar que este primer trabajo de los valencianos es una magnífica presentación y les abre un futuro prometedor. El inicio es avasallador y sólo te permite un respiro al llegar al sexto tema. "Blue ball" es una fábula, un sueño dulce y reparador con coros de algodón. Le sigue "Velocidad de la luz", un medio tiempo donde las cuerdas pellizcadas consiguen una gran emoción en su final instrumental. "Happiness" sube el pistón a base de guitarras trotonas, pop pegadizo, juvenil, revitalizador y saltarín. "Fantasmas" es puro indie cosecha de los noventa, una de mis canciones preferidas por ese regusto que me dejan a Alias Galor, sobretodo por la voz y esas guitarras resquebrajadas y ululantes. En "The Worst (8th october)" los arreglos de banjo y la aparición de la pedal steel le dan al tema un aire a pop árido y desértico, de regusto americano. El pop dulce y cristalino de "Castillos de papel" con esos coros etéreos y estupefacientes y después el pop de guitarras de "Farewell" nos preparan para el segundo lote de grandes logros del disco. "Homeless" es una balada acústica, balanceante y que deriva hacía una maraña instrumental ingrávida y subyugante. En "Radiación nuclear" las guitarras pasan de la contención a la épica de forma arrebatadora y envolvente, y el esquema parece repetirse en "Autumn" donde el ambiente imperceptible y quebradizo muta hacia la épica guitarrera. En "Waning Gibbous Moon" volvemos a respirar los sugerentes y turbadores ambientes desérticos y "Despedida" supone el hit de MOONFLOWER: pop tranquilo y la voz de María acercándose al mainstream. Ojalá pudieramos encontrar canciones como esta en las principales listas de éxitos... "First Time" es un tema vaporoso y etéreo que cuenta con el embrujo que aporta un violín que va subiendo de intensidad, confesional y doliente. Un maravilloso punto final, un inmejorable sabor de boca y muchas ganas de escuchar los nuevos temas de la banda.
www.moonflowerpop.com

LES ATXES "Les atxes" (2011, Autoeditado)

Un par de sorpresas con LES ATXES: al recibir la demo me pensaba que era un grupo femenino, quizás por el nombre "les atxes", que significa antorchas y no hachas como creía en un principio... Formados en el 2008 cuando los guitarristas Marc A. y Marc M. deciden compartir su afición por la Velvet, Television o Beat Happening y escritores como Sisa o Jonathan Richman.  Héctot (batería), Amós (bajo) y Adrià (teclado y voz) completaran la formación. Una banda que suena sucia, descacharrante, actual y muy variada. "En de cara i saludant" abren con un rock de guitarras guarrillas y voz carajillera que no te cansas de escuchar, un poco en la línea de los Very Pomelo, como también en el rock clasicote "Tres acords" con guitarras lastimeras y estridentes como si pellizcaran a un gato y el teclado sobrevolando la canción. Practicantes en "Aqui ja hi he estat jo" de un pop retorcido y cacofónico, se sueltan el pelo en plan garage ácido en "Dolores Ipsum" donde las guitarras se retuercen y la banda se gusta en un final cósmico alucinado. En "Cera calenta" consiguen un ambiente embrujador, cremoso y muy gamberro, pero de una placidez que no consigue violentar ese alarido sioux con el que rasgan la canción. En "Estela de llum" consiguen encajar las piezas a la perfección: el ritmo en primer término, un teclado esponjoso, las guitarras meciéndose y la voz elegante y bien respaldada por los coros. Para cerrar este debut, LES ATXES se marcan un tema setentero y ácido, extenso (más de nueve minutos) y psicodélico en "De totes les promeses". Los jovenes prometen.
http://lesatxes.bandcamp.com/

PANORÂMICA "Ascensión y caída de Benjamín Grau" (2011, casa de la música popular, clap)

Una beca de la Casa de la Música Popular de Matarò ha permitido a este cuarteto del Maresme formado por ex-miembros de Polvorosa y Telex grabar un nuevo EP, creo que el tercero  de su trayectoria,  de nombre: "Ascensión y caída de Benjamín Grau". Personaje no sé si ficticio o real, dedicado en cuerpo y alma a la creación musical y cuyas peripecias y anhelos en el mundillo se explican a la perfección en los cuatro temas del EP. "Todo llegará" hace referencia al inicial amor por la música y a los sueños que esta pasión despierta en el artista, lo que se traduce en un pop elegante, de guitarras acústicas y melancólicas de gran belleza.  En "Melodía perfecta" PANORÂMICA (¿o Benjamin Grau?....) llegan a lo más alto a nivel creativo tras la visita de la musa de la inspiración y como bien indica el título del tema alcanzan la melodía perfecta. Tras una gran canción llega el éxito , y en "Nuevo hype" la voz da un giro extraño, el resultado es demasiado comercial (a mi me recuerdan a algunas canciones de La Unión,  la banda reconoce influencias de Piratas o Muse) cargado en exceso a nivel instrumental y de efectos. En la final "Ego" y tras el éxito,  las aguas vuelven a su cauce, un pop más interior y dulce, de ambiente turbador, tembloroso y fantasmagórico. Una vuelta a la sustancia, a esos sentimientos que salen de dentro y que no buscan conquistar a nadie más que a uno mismo.
Espero que PANORÂMICA no sigan los pasos de Benjamín del que nunca más se supo y continúen adelante componiendo canciones tan interesantes como las de este trabajo.
www.facebook.com/panoramicapop
www.myspace.com/panoramicapop

17è MINIFESTIVAL DE MÚSICA INDEPENDENT DE BARCELONA, viernes 30 de marzo del 2012, SALA UNDERGROUND, 21:30 horas ELS NENS EUTRÒFICS - MISS Q - NATURALESA SALVATGE. Entrada gratuita.

El Festival de Música Independent de Barcelona llega a su decimoséptima edición, y lo que en ediciones anteriores fué "la fiesta de presentación" que solía celebrarse un mes antes del Minifestival para ir calentando motores, este año se convierte en un concierto la noche anterior, el 30 de marzo,  en la Sala Underground (calle Granada del Penedés nº16, Metro Diagonal), aunque todavía fieles al espíritu que nos llevó a embarcarnos en esta aventura y que no es otro que el dar a conocer bandas nuevas y atractivas. En la presente edición hemos confeccionado un cartel de lo más diverso, abarcando tres estilos bien diferenciados.
NATURALESA SALVATGE es un grupo de indie pop de guitarras que podríamos decir lleva el adn de nuestro festival a cuestas. MISS Q será la dosis electrónica del cartel donde tendremos que enfrentarnos a la performance que la actriz y música danesa Pia Nielsen nos tenga preparada: ella sola al frente de sus aparatos o bien acompañada de bajo eléctrico, bateria y videoartista. Y cierran el cartel los inclasificables ELS NENS EUTRÒFICS que amenazan con no dejar a nadie indiferente con su "pop antimoderno, free jazz sardanístico, reggaeton provinciano, poesia guarra, y funk rústico y rural".
Ah, la entrada es gratuita.
Más información del Minifestival:

http://www.minifestival.net/

ELS NENS EUTRÒFICS "Esquitxos ultralleugers" (2011, El tigre de Ciberia)

"Eutrófico": dícese de los niños que por su edad están en una talla y peso ideal; buen estado de nutrición, o una masa de agua con una elevada concentración de sales nutrientes y un elevado ritmo de productividad biológica.                      ELS NENS EUTRÒFICS me han hecho buscar el diccionario, y no sólo para descifrar su nombre, sino también para buscar el significado de varias palabras en catalán desconocidas para mi. Sí, y digo "en catalán" porque ELS NENS EUTRÒFICS son POP CATALÁN y "en catalán", aunque no me los imagino anunciando ninguna cerveza por la tele, ni emocionando a nuestro Pep entre las históricas paredes del Palau de la Música Catalana....                                        ELS NENS son raros, bastante traviesos y muy gamberros, como las criaturas que cual gremlins pasada la medianoche dinamitan esa comilona que ilustra la cubierta de su cd. Pero su singularidad y rareza se justifica si tenemos en cuenta que al frente del quinteto se encuentra el poeta Josep Pedrals, que ha reclutado a Albert Segarra (bajo), a Roger Puig (guitarra), Esteve Plantada (teclado) y a Marc Torrent (bateria) para plasmar sin ningún tipo de verguenza, ni tabús culturales su calenturiento imaginario de erotismo, esoterismo y burla. 

Musicalmente "Esquitxos ultralleugers" tiene una gran diversidad. "Homeless" tiene un regusto a musical por sus coros alocados y voces algo tontorronas; "Ai fresca" es un tema balanceante para bailar en las fiestas del pueblo. "Epitalami" es una canción de corte algo tradicional, que utiliza instrumentos tradicionales, que gana con cada nueva escucha y cuenta con una letra difícil de seguir... También encontramos un txà-txà-txà esotérico y de letra escatológica en "El txà-txà-txà de les bruixes". "Formas sem forma", a ritmo de samba (con letra de Fernando Pessoa y cantada en portugués) nos permite volver a bailar en el "envelat" de  las fiestas del barrio al igual que la verbenera "El vers que faltava", o el bolero seductor para bailar "agarrao" de "La lectora". Volvemos a la tradición folk con el pastoral ejemplo de "La cançó + banal" o el hit "Llenya d´alzina" con un maravilloso estribillo que da gran relevancia a los productos de la tierra.

Entre las canciones aparecen también a bocajarro los recitados de algunos poemas. LLama la atención la engolada voz daliniana de "A galop de la guitxa", el trabalenguas de "Quan pugui el púgil" o el piano de "Allò que em dol".

www.myspace.com/elsnenseutrofics

www.eltigredeciberia.com/elsnenseutrofics